La Guía Cinegarage-FICUNAM 2015

De nuevo estamos ya celebrando la llegada de FICUNAM, uno de nuestros festivales de cine favoritos. Antier por la tarde en el corazón cultural de Ciudad Universitaria Eva Sangiorgi dio la bienvenida a los asistentes y dio por inaugurado el festival que, sin embrago, ya había tenido una función especial de la película Güeros en “las Islas” detrás de Rectoría, también en Ciudad Universitaria.

Como cada año desde hace cinco tenemos varias sugerencias para ver dentro de FICUNAM y, por supuesto, las agrupamos en la ya mundialmente famosa Guía Cinegarage-FICUNAM que pueden consultar aquí debajo.

Si quieren consultar la programación completa del FICUNAM, hagan clic aquí.

Si quieren conocer las sugerencias de Eva Sangiorgi en la entrevista que le hizo Erick Estrada, hagan clic aquí para escuchar o descargar nuestro programa.

Esta es, señoras y señores, la Guía Cinegarage-FICUNAM 2015:

Pasolini.
“Ferrara construye un fresco lírico, auténticamente inspirado por aquella mezcla de sordidez y belleza, de austeridad y exceso que caracteriza la obra y biografía de Pasolini. Digamos que el director filma los espacios de su intimidad, de su soledad creativa. Se trata entonces de un proyecto ambicioso: la imagen de Pasolini está hoy en día tan presente en nuestras referencias intelectuales, que cada imaginación, cada persona podría sentirse traicionada frente a una reconstrucción cinematográfica. A los puristas que se sorprendan ante la alternancia de diálogos en italiano y en inglés, respondería que Abel Ferrara no busca hacer un retrato fiel de aquellos días que fueron los últimos de la vida del artista, sino de crear su propio Pasolini, que es otro y uno nuevo en la película, aunque realmente cercano al real en la interpretación de un sublime Willem Dafoe, sin duda en una de sus más extraordinarias actuaciones. Es una oda a la profanación, según la lección del autor italiano. Ferrara reúne a un excelente reparto que incluye a la actriz icono y amiga íntima del autor, Maria de Medeiros en el papel de Laura Betti (Saló); a Adriana Asti (La ricotta) como madre del cineasta y a Ricardo Scamarcio, personificando a Ninetto D’Avoli.” Eva Sangiorgi.

A Girl Walks Home Alone At Night.
(Presentada en el Autocinema).
“Se puede decir que la ópera prima de Ana Lily Amirpour es una exquisita pieza crossgenre: al mismo tiempo heredera de la novela gráfica de Frank Miller, como del cine de Jim Jarmusch, de la nueva ola francesa, del mito del vampiro, el spaguetti western, las franquicias estadunidenses de superhéroes y el rock and roll iraní…

..Esta película, hablada totalmente en farsi y filmada en blanco y negro de alto contraste, es también un sutil manifiesto feminista, que surge de un grupo de jóvenes iraníes radicados en Los Ángeles, que además de reafirmar su multiculturalidad, busca reafirmar el rol de la mujer como un ser con un potencial de poder infinito y con la capacidad de decidir cuándo utilizarlo. Amirpour hace una apuesta pop que resulta en un universo contenido en sí mismo, atemporal y contemporáneo al mismo tiempo, arraigado en ningún lugar y en varios a la vez. Es un espejo que hay que atreverse a mirar.” Mónica Herrera.

Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air
“Ming es un tigre de bengala y Al es un caimán: durante años vivieron en Harlem, en el departamento de Antoine Yates, hasta que un pequeño accidente delató su secreto.

Este es un acontecimiento real reconstruido por el testimonio de Yates, por los reportes de algunos medios de comunicación, de la policía y por imágenes de archivo. Sin embargo, se trata solamente del sustrato en el que Phillip Warnell –este es su primer largometraje– da continuidad a una disertación filosófico-cinematográfica sobre temas ya tratados en sus trabajos anteriores, desde The Girl with the X-Ray Eyes (2008).” Eva Sangiorgi.

Retrospectiva Sergei Loznitsa
Este director ucraniano se graduó de Matemáticas Aplicadas y trabajó como científico en el Instituto de Cibernética en Kiev especializándose en la investigación de inteligencia artificial. Más adelante estudió cine en el antes llamado Instituto Pansoviético de Cinematografía en Moscú (VGIK en ruso).

Loznitsa ha realizado dieciséis documentales desde 1996 y ha recibido numerosos reconocimientos internacionales. Su primer largometraje, Mi felicidad (2010), compitió en la Selección Oficial del Festival de Cine de Cannes. En 2012 recibió el Premio FIPRESCI en el mismo certamen francés por la película En la niebla (2012). Maidan es su título más reciente, dedicado a la revolución de Ucrania y con estreno en Cannes de 2014. Actualmente prepara su próxima película Babi Yar, que abordará lo ocurrido en Kiev durante la ocupación nazi.

Stella Candente
“En una época de encarnizados tumultos sociales, Amadeo de Saboya, duque de Aosta, es elegido rey de España. Es un monarca sofisticado, vegetariano y demasiado sensible para un país tosco e impenetrable, como percibe su nueva residencia: la disgregación social en un país aislado y reacio a cualquier innovación y progreso.

A caballo entre dos épocas, el Renacimiento y la Modernidad, España no está lista para recibir ideas del exterior. La película toma vuelo de esta sensibilidad anacrónica creando un atlas de referencias literarias, pictóricas y musicales. En consecuencia, se teje un maravilloso tapiz de símbolos y alegorías, una comparación refinada con la España de hoy, la que se niega al cambio.” Eva Sangiorgi.

La maldad
“Título inequívoco semánticamente, propenso a la abstracción y escenificado a medida que avanza el relato por vías que no admiten una lectura metafísica. El mal es aquí físico, sentimental y político: hay cuerpos que envejecen y sienten la muerte, a veces por cansancio o por un desperfecto celular. He aquí una versión del mal: la materia viva se descompone. El mal también se manifiesta en cuestiones de amor; es el dolor que se siente cuando se ama sin ser correspondido. Y después está el mal colectivo, aquel que surge —como en este caso— del fraude y la traición sistemática a la democracia, no exenta de asesinatos políticos que escriben una historia social envilecida. Estamos ante una visión del mal multifacética, aunque tal vez todo lo que aquí se cuenta no sea otra cosa que una alegoría. O tal vez no.” Roger Koza.

Cantares del norte
Songs From the North
“Mejor conocida por sus líricos y agudos ensayos fílmicos de poca duración, la artista Soon-Mi Yoo, nacida en Corea del Sur y radicada en Massachusetts, muestra en su primer largometraje la película más ambiciosa y complejamente estructurada que nos ha dado hasta la fecha. Songs from the North, ganadora del prestigioso premio Leopardo de Oro a Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Locarno de 2014, es un ensayo fílmico que ofrece una visión diferente acerca del enigma representado por Corea del Norte, país que por lo general sólo es visto a través del distorsionado lente de la propaganda ultranacionalista y la sátira mordaz. Al entrelazar imágenes de las tres visitas de la realizadora a Corea del Norte con canciones, espectáculos, escenas de cine popular e imágenes de archivo, Songs from the North intenta comprender, en sus propios términos, la psicología y la imaginación popular de la gente de Corea del Norte, así como la ideología política de amor absoluto que sigue impulsando a esta nación hacia un futuro incierto. El deseo sincero de Yoo por observar este país con cercanía y objetividad hace que su material, formado por escenas íntimas y cotidianas, así como intertítulos poéticos y una extensa entrevista a su padre, esté cargado de una intensidad emotiva poco común. A final de cuentas, argumenta Yoo, tomar sinceramente en consideración a un país que pone a prueba nuestras nociones más fundamentales sobre la condición humana implica cuestionar el significado de la libertad, el amor y el patriotismo.” Haden Guest.

The Iron Ministry
Cualquier película sobre China en tiempo presente avizora un posible futuro global; lo que sucede en ese territorio inmenso y superpoblado, en el que evoluciona una forma general de organización socioeconómica desarticulada de una experiencia democrática y que aún depende de un comité central asociado al vocablo comunista, constituye un signo excluyente del siglo XXI: el capitalismo asiático. La fascinante obsesión de J. P. Sniadecki por ese país es la de un etnógrafo que se mezcla con los habitantes de un lugar, aprende su idioma y observa. Aquí no se trata de un acrobático plano-secuencia que atraviesa la totalidad de un espacio público como en People’s Park, sino de un recorrido permanente por los pasillos claustrofóbicos de varios trenes, sistema de transporte ahora renovado, como informa uno de los personajes. Sniadecki concibe el tren como un microcosmos caleidoscópico en el que se cruzan clases sociales y distintas generaciones, acaso un holograma antropológico integral del país: el registro de una conversación entre jóvenes en el final revela las paradojas e incógnitas de vivir en una nación superpoblada y los cambios de mentalidad, secuencia que se combina simbólica y dialécticamente con una secuencia inicial en la que el propio director participa intercambiando unas palabras con un practicante chino del Islam, en donde se vislumbra el adoctrinamiento nacionalista propio de una generación pretérita. Pero aquí las imágenes son entendidas como un discurso polifónico, y la destreza de Sniadecki pasa entonces por acumular situaciones que resulten autosuficientes. Un hombre solo consigue que un país cuente su presente. Notable.” Roger Koza.

Pasolini